My top 10 songs of 2011

10.PJ Harvey - The Words That Maketh Murder
[from album "Let England Shake"]

Genre: Female Singer-songwriter

PJ Harvey 2011年這張大碟, 為她帶來一面倒的絕佳好評, 整張作品主要以反戰為題材, 而筆者所選的這首, 歌詞的筆觸尤其尖銳, 除了描述了戰爭裡血肉橫飛的悲慘場面, 還訴說了士兵渴望歸家的心情, 音樂方面亦予人一種步步進逼之感, 最後不斷唱著"What if i take my problem to the United Nations?", 也是極盡諷刺之能事, 風格之強烈, 令人一聽難忘.

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09.林宥嘉 - 晚安
[from album "美妙生活"]

Genre: Taiwan-pop

沉靜而安詳的一曲, 這首歌上年陪伴過筆者多少寂寞的晚上呢? 數不清了. 只知道由這首歌開始, 林宥嘉成為筆者少數欣賞的非唱作類型歌手.

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08.Arctic Monkeys - Piledriver Waltz
[from album "Suck It and See"]

Genre: British-rock

看完獨立電影"Submarine"之後, 深深被這首歌吸引, 而作為插曲的這歌曲, 也與電影的氣質相襯到不得了, Arctic Monkeys由原本Punk樂風, 變成有點Singer-songwriter風格的孤芳自賞, 這是他們大碟下半部歌曲所給我的印象, 難道主音Alex Turner(上圖中)有意作Solo發展?

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07.Explosions in the Sky - Postcard From 1952
[from album "Take Care, Take Care, Take Care"]

Genre: Instrumental-rock/Post-rock

Post-rock樂團Explosions in the Sky雖然上年交出一張不太突出的大碟(->前文<-), 但這首歌卻無疑重拾了他們昔日最情感最豐富的時刻, 在Post-rock失收的2011年裡, 幸好還有此曲.

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06.Metronomy - The Bay
[from album "The English Riviera"]

Genre: Indie-Electronica/Dance

陣容改變的了的Metronomy, 音樂上沒有以前的狂放, 變成一種內歛閒適的indie-dance風格, 但感覺依然滑稽, 有趣, 而且好跳.

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05.Lykke Li - Sadness is Blessing
[from album "Wounded Rhymes"]

Genre: Indie-pop/Female Singer/song-writer

選擇困難症發作, 因為Lykke Li交出了一張首首歌都很出色的作品, 好不容易選了這首"Sadness is Blessing", 因為此曲筆者覺得除了易聽外, 亦最能表現了Lykki Li最陰柔異色的少女情懷.

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04.James Blake - Limit To Your Love
[from album "James Blake"]

Genre: Electronica/Post-Dubstep

電音新人James Blake用他獨特風格重塑了Feist這首名作, 迷離的氣氛, 加上重型Dubstep節拍, 這種新鮮的聽覺體驗, 令筆者回味再三. (->前文<-)

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03.The Rapture - How Deep Is Your Love
[from album "In the Grace of Your Love "]

Genre: Electronica/Dance

有些歌曲總會令人不想她播完, 對筆者來說, The Rapture這首dance-punk作品就有如此魔力, 除了有跳脫醒神的琴音和節拍外, 還滲出underground-dance音樂味道.

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02.Smith Westerns - All Die Young
[from album "Dye It Blonde"]

Genre: Indie-rock

令筆者為之驚嘆的年輕新樂團, 在濃厚的Glam-rock風格之中, 他們的搖滾樂音散發出擋不住的青春氣息, 而且歌曲打造得激昂且響亮, 還有Sing-along的合唱段落, 整體極為爽快流暢.

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01.Bon Iver - Holocene
[from album "Bon Iver"]

Genre: Folk-rock

除了美妙而淡然的旋律外, 歌曲的氣氛和意境都予筆者很闊很深的想像空間, 好像一幅被予以適當留白的絕美水墨畫一樣, 聽過以後, 深深被她吸引著, 冠軍歌的位置不作他選.(->前文<-)

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Coming next: My top 10 albums of 2011

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築夢者: M83 - Hurry Up, We Are Dreaming (2011)

多年前筆者第一次聽到法國電子樂團M83於2003年推出的大碟"Dead Cities, Red Seas, Lost Ghosts"時, 感覺驚為天人, 對當年初涉電子音樂的筆者無疑是一種很新鮮的聽覺體驗. 把本身屬於另類搖滾的Shoegaze樂風, 和Ambient電子音樂結合, 不但有流行電子的暢快淋漓, 更有Dream-pop的夢幻感, 而且其音樂所表現的獨特質感, 編曲和深度都令人過耳難忘, 遂令M83在當年同期的電子樂團(當中包括Boards of Canada, Four Tet 等名團)中突圍而出.

M83原為Anthony Gonzalez與Nicolas Fromageau所組成的二人組合, 後來 Nicolas離隊後, 樂隊只得Anthony支撐大局, 但這個人事變動並沒有影響M83作品的質素, 其後 的作品"Before the Dawn Heals Us"和"Saturdays=Youth"水準依然不錯. 來到今年的大碟"Hurry Up, We Are Dreaming", Anthony Gonzalez 繼續以一人姿態創作音樂, 這張以夢境為主題的作品, 以雙CD形式收錄22首全新歌曲, 單看大碟開首的"Intro"和結尾的"Outro", 也會意會到這大概會是一張顧全整體性的史詩式音樂巨構, 再加上有如斯浪漫的主題構想, 未聽已經令人對這張概念大碟有所期待, 雖然他夠膽以雙CD來展現自己的無窮創作能力, 但這很自然會令人擔心大碟會否重量不重質, 歌曲會否良莠不齊. 但聽罷全碟後, 筆者那些擔心已經一掃以空, 因為"Hurry Up, We Are Dreaming"的確是質與量俱備的電子音樂佳作, 媒體Pitchfork繼2003年評M83的成名作"Dead Cities, Red Seas, Lost Ghosts" 9.2的高分後, 這張"夢之碟" 以 9.1分再次成為他們認同的年度佳作.



在筆者眼中既稱得上是質與量俱備, 這全碟長達74分鐘的作品當然沒有予我冗長之感, 而且歌曲亦鮮有冷場, 最令人驚嘆的是"夢之碟"裡, 可聽出Anthony Gonzalez把他過往每種樂風和情緒都發揮到近乎極致, 不斷遊走於流行電子和Ambient音樂兩個領域，音樂豐富之餘, 又不失他獨到的Dream-pop夢幻感。



開首, 帶我們進入夢境的是他與俄羅斯女歌手Zola Jesus的"Intro", 很典型M83式synth-pop演繹, 漸進恢宏的氣氛, 起了先聲奪人的氣勢. 緊接著, 有"Midnight City"這首先行主打, 流行的節拍下, 用80年代的風格滲出很強的現代感, 也令人感受到夜半大都會的熣燦氣氛. 不長不短的間長曲"Where the boats Go", 靜態的電子氣氛瀰漫於空間裡, 風格像是出自Moby之手一樣迷人.


M83 - 'Midnight City'

筆者極喜歡的一曲"Wait"是近Space-folk風格, 木結他配合輕柔的電子氣氛, 本身已經有種讓人融化之能事, 聽得人心頭盪漾, 再加上他的一把聲線像是在遠方呼喊一樣, 整個音樂氣氛令人感動不已. 之後, 充滿童趣的"Raconte-Moi Une Histoire", 裡面有小孩的可愛獨白, 與復古味道很濃的節拍起了奇妙作用, 手法是他少有的嘗試, 而這幕童年夢境隨著歌曲推進漸漸融合到背景的白色音牆裡. 繼續有80年代電子音樂的薰陶, "Claudia Lewis"的音樂層次非常豐富, 搖滾與電子互相交疊, 是一首令人目眩神馳之作. 接著的"This Bright Flash"在微噪的氣氛電子襯托下, 延續上一首的大搖大滾風格, 感覺像是在偌大的太空裡飛馳般無拒無束.

CD1 結束前, M83把音樂變很輕鬆泰然, 木結他再次出現在"Soon, My Friend", 再加上動人的弦樂襯底, 音樂間流露出依依不捨之情.

但很快, 更精采的CD2再次令筆者感到驚喜, 甚至這部份歌曲的質素比CD2有過之而無不及. "My Tears are Becoming a Sea"擁有如Post-rock裡出現的爆發, 樂如其名, 催淚效果在中段激昂的音樂底下缺堤.

接著"New Map" 裡流暢奔放的Synth-pop輕易地抓住樂迷的耳朵, 感覺非常醒神, 近尾段出現的悠揚笛聲更是神來之筆. "OK Pal"由結他到合成器的運用都充滿80年代氣息, 而Heavenly的人聲和緊密的音樂氣氛則令歌曲多了份張力. 筆者最喜歡的"Splendor", 音樂簡約之中帶點迷幻感, Choir式唱詠更是令人感動不已, 這一刻令筆者想起Mercury Rev如"A Drop in Time"等名作, 都是用弦樂和Choir風格營造一種戲劇性和煽情效果, 輕易征服聽眾的情緒.

動人時刻過了之後, 竟有一首輕快搖曳的"Year One, One UFO", 像極了那些搶耳的Coldplay歌曲. 爽快明亮的歌曲之間都有一些靜態音樂如"Fountains"做間場, 使得整體歌曲編排錯落有致, 令聽眾有更多層面的聆聽享受. 近尾段"Klaus I Love You"像一首短小精桿的Depeche Mode式早期電子樂, 只是音色調教得很氣氛化. 最後當然有一首"Outro", 和緩動人的樂音, 很稱職地為大碟作結.

"Hurry Up, We are Dreaming"用音樂記載了 Anthony Gonzalez 成長以來不同的夢境, 全碟音樂糅合了多種元素如迷幻樂, 電子流行, 氣氛電子, Shoegaze, Dream-pop等等, 編曲上時緩時靜, 大起大落手法, 營造了空曠而深遠的氣氛, 引領聽眾走進他豐富多采的奇妙音樂空間, 兼具旋律性, 意境和整體性, 難怪他這張野心之作在今年眾多佳作之中依然能突圍而出.

[評分: 9/10]

刊於 Mugazine 摩格聲 香港網上音樂雜誌 Vol.21

延伸聆聽: M83 Myspace

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被賦予靈魂的Dubstep: James Blake – James Blake (2011)

這一年對來自倫敦Deptford的James Blake來說絕對是成功的一年，除了年初被BBC封為Sounds of 2011第二名外，他的首張大碟也被提名過英國Mercury Prize，並且拿下了英國榜第九位，才情備受了DJ和媒體們的肯定和讚譽，不但叫好，而且叫座，今年以來銷量已達到幾十萬張，對於這個才二十多歲的年輕音樂人來說，這一切真的順利得令人羨慕。當然，如果排除了媒體的大肆褒揚，James Blake熱潮也再次證明了英國音樂巿場對新音樂包容力的確很大。

要用到「包容」一詞，可以想像James Blake的音樂不會是走大眾化流行曲的調子，簡單來說，James Blake是騷靈(Soul)加上實驗味道很濃的Dubstep電子音樂，而James Blake亦被視為近年Post Dubstep熱潮的重要推手之一。在此先簡略說明一下我所理解的Dubstep。



Dubstep是一種在九十年代末英國倫敦興起的電子音樂風格，源於六十年代的南美Dub樂風，後經不少音樂人把它電子化之後，漸漸形成了一種風格獨特的舞曲節奏，不同於一般舞曲爽快跳躍，Dubstep的氣氛一般較灰暗，節拍較慢，低音極為深沉有力，節奏簡約之餘有種難以抗拒的迷暈效果。在英國出生長大，成長於Dubstep全盛期，James Blake的才氣就在這種有利環境下慢慢累積。

James Blake在同名大碟裡把Dubstep重新解構、再造，變成屬於自己的風格，已經廣受注目的他並沒有因遷就大眾巿場而刻意把歌曲變得流行起來，相反歌曲處處彰顯了其大膽的實驗意圖，把電子聲效、取樣、人聲和編曲玩弄於股掌之中。James Blake的作品是有時會表現得有點深奧，但樂迷們千萬別因此而卻步，因為大碟中其實不乏他深情演譯的鋼琴歌曲，那種騷靈味道，或許有一時三刻會令你聯想起方大同，不過唱的聲線卻是有如 Thom Yorke (Radiohead主音)或Antony Hegarty (Antony and the Johnsons主音)般陰鬱脆弱。



James Blake的大碟充滿冷色調的氣氛，竄動著忽明忽暗的電流。開首不久，"Wilheims Scream"在簡約的碎拍帶領下，他的聲線與多重鬼魅電子聲效互相交疊，層次雖然隨著歌曲的推進變得更密，但那種空洞氣氛卻越來越強烈, 感覺不可思議。


James Blake - The Wilhelm Scream

"I Never Learn To Share"不停重覆著簡短歌詞「...But I don't blame her...」，電拍也隨之越來越緊湊，引領情緒由一開始的落寞推進到一度接近失控邊緣。二部曲開首"Lindesfarne I"只是由一些零碎清冷的聲音片段組成，當去到"Lindesfarne II"時，保留了清冷的氣氛，但節拍力度明顯加重，加上變聲效果下的James Blake聲線，令到整首歌增添一份神秘氣息。James Blake在他的作品裡，聲線運用已不局限於表達感情，更是電子聲效的一個重要元素之一，例子在大碟裡俯拾皆是。


James Blake – Lindisfarne

來到James Blake的成名作"Limit To Your Love"，James Blake以其獨特的風格重新演譯了Feist這首名作，由幽深的鋼琴聲引入，主音脆弱的聲線一路唱著，推進至一段短暫的留白後，一股詭異的低頻加上重型的Dub節拍突然劃破了這一寂默，感覺要把空間裡的一切震倒，這震撼把歌曲帶到了另一境界，一個深邃而疏離的境界。


James Blake - Limit To Your Love

"Give Me My Month"奏著別具韻味的琴聲，James Blake的聲線亦顯得很突出，充分表現了其深情的一面。同樣有鋼琴獨奏，"Why Don't You Call Me"則較為實驗性，更為隨意，琴音漸漸變得更為疏落，取而代之是鬼魅的變聲和電音。在筆者喜歡的"To Care (Like You)"裡，James Blake把自己的聲線加工成一把女聲，變成好像男女合唱一樣，風格很R&B，更有緊密連綿的電音伴奏著。簡約優美的碟尾曲"Measurements"，音樂層次看似簡單，只有低音伴以人聲，但那種多重人聲合唱的技巧很有心思，Soulful之中帶有濃厚的Gospel味道。

James Blake剛推出他的新EP "Enough Thunder"，裡面最具話題性的相信是他與Bon Iver(看前文)合作的一曲"Fall Creek Boys Choir"，歌曲雖然是一貫James Blake的實驗電音，但細聽下，歌曲依然隱約包裹著Bon Iver那柔和而開揚的Folk味。另外James Blake又怎少得Cover歌，這次則選了著名Folk女伶Joni Mitchell的"A Case of You"，「無添加」地以純鋼琴演譯，音樂幾乎找不到任何電氣化痕跡，表現了歌者最真摯而不修飾的一面。


James Blake - A Case of You

James Blake在這一年裡不但造音樂勤力，而且不停出席大大小小的音樂會，增加自己的曝光率。誠然James Blake的音樂不會有很強的親和力，但他的確給了聽眾一種主流以外的選擇，這種主流名聲，配非主流音樂，在音樂巿場裡成功的例子並不多見，但看來外國樂迷相當受落，也很珍惜他的出現，是以James Blake不少音樂會都能迅速爆滿，一票難求。
「這個十年會因為Dubstep遇上酒吧歌手而被人記住嗎?」著名電音單位Portishead成員Geoff Barrow曾經潑了James Blake一頭冷水。筆者不敢說十年之後James Blake會否同樣受注目，但至少這一年，他仍是一個不可忽略的新星。

[評分: 8.5/10]

刊於 Mugazine 摩格聲 香港網上音樂雜誌 Vol.20
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聽得到的歐洲明信片: Beirut – The Rip Tide (2011)

乍聽樂隊Beirut那滿載歐陸風情的歌曲，你會以為他們是來自歐洲大陸某地傳統樂團，但原來由年輕樂手Zach Condon所領軍的Beirut是一隊植根美國紐約的Baroque-pop/indie-folk樂隊，Beirut推出第一張大碟 ”Gulag Orkestar”時，Zach Condon竟然還是個不到20歲的小伙子，這是一個應該玩Punk樂的年紀，但Zach Condon卻玩起成熟而典雅的另類民謠。

跟很多獨立音樂人的出身相近，他十多歲的時候已經在卧房裡，用簡單的器材，錄製自己的歌曲，自作自樂，他的才情在那時並未有太大發揮，直至16歲那一年，這個對於Zach Condon來說決定性的一年，才正式啓蒙了他日後不一樣的音樂之旅，那年他周遊歐洲列國，當別人著眼於熙來攘往的景點時，他眼裡所觀察到的卻是當地古樸的東歐風土人情，而且更深深被當地傳統音樂所吸引，後來決意把這種歐陸音樂帶到遙遠的美國彼岸。



返國後他以黎巴嫰首都貝魯特(Beirut)為自己掌旗的樂隊命名，不久便推出了第一張大碟” Gulag Orkestar”，是年2006。Zach Condon在首張大碟裡已經急不及待展現他的創作才華，音樂裡盡出了你能夠數得出的傳統樂器，如手風琴、大提琴、小提琴、曼陀羅琴、色士風、笛、大號、小號嗽叭等等，豐富得難以想像，加上他的精心編排，歌曲風格遊走於歐陸民謠與優雅的Baroque-pop之間，你彷彿能透過這張作品體驗東歐古樸風情，感受吉卜賽人的熱情奔放，再加上Zach Condon一把不屬於他年紀的成熟聲線，別具韻味，亳無難道地融合在他的傳統音樂裡，這一切怎教人不驚喜。”Gulag Orkestar” 這張處女作令Beirut得到非常不錯的評價，亦使Zach Condon迅速地在獨立音樂圈裡站隱陣腳。

獨立音樂通常以搖滾風格作為主軸， 再不時加進並放大不同的音樂元素，便可以自成一格，一般而言，他們在音樂創作時受時代因素影響遠比地域因素更大， 而Beirut則高舉地域主義的旗幟，完全以純World Music風格為主導，同時不脫個人創作精神，把原本只是別人的”伴碟”變成自己獨有的”主菜”，所以風格更顯得鶴立雞群。



不知不覺，Beirut已經推出了他的第三張大碟，今年的新作”The Rip Tide” 樂器層次依舊豐富，銅管樂依然悠揚，只是稍為褪去首張大碟的濃厚風土味，像是抺去了前作古舊的歷史塵埃，整體變得更為簇新，編曲手法更富現代感，結構分明，更易入耳，對新手樂迷來說是一個不錯的入門選擇。

全碟雖然只有九首歌 ，但因為歌曲質素平均而且不俗，所以在這30多分鐘裡，鮮有冷場。銅管樂在Beirut的音樂裡一直佔了極重要的地位，在他的新作裡亦不例外，第一首”A Candle’s Fire”在軍鼓的帶動下，銅管樂演奏充分地表現音樂的熱情奔放，但沒有搶去歌手的獨特聲線，而Zach Condon譜寫的旋律亦比之前動聽。動聽的旋律此落彼起，”East Harlem”可算是全碟的一個亮點，也令我發現原來木結他和銅管樂竟然可以互相配合得如此出色，大大聲的後者搶不去前者的folky味道，當然這也得歸功於監製對於樂器調度的功力。


Beirut - ”East Harlem” 《The Rip Tide》(2011)

以沉靜的鋼琴作為引子，一曲”Goshen”令我們見識到Beirut也有其柔情的一面，緩緩的銅管樂亦合適地襯托出整首歌的感情，很舒服的一曲，這也是筆者個人的最愛之一。
繼續有鋼琴的出現，這次開首有點像Coldplay，說的是點題作”The Rip Tide”，風格偏向流行化，其煽情的銅管樂和弦樂交織出動人淒美的情感。


Beirut - "Goshen" (Live)

一曲“Vagabond”再次表現了Beirut熱情奔放的一面，中段加上跳脫無比的鍵琴，把久違了的吉卜賽情懷一下子釋放出來。最後一首”Port of Call”把握最後機會盡用了所有樂器，同一時間不同樂器在熱烈地奏著，要編排好他們不致於「炒埋一碟」，本身已經不易，更可況要表達不同層次的激昂情緒，幸好Beirut還是把一切控制得很好，令大碟有個不錯的結尾。


Beirut - “ Vagabond”

如果是死忠Beirut粉絲，我想他們未必會覺得Beirut的新作好過前作，皆因音樂整體少了前作濃厚的歐陸風情，變得有點像Arcade Fire那樣大堆頭的indie-rock取向。然而本質上他們仍能用不同樂器帶出自身獨有的古樸樂風，只是今次多了一層無傷大雅的流行糖衣，而”主菜”元素的銅管樂亦不致淪落到”伴碟”的地位，所以整體可聽性仍然甚高。相信這次Beirut的親民取向會為他們吸納更多樂迷，尤其那些想認識不同indie風格音樂的樂迷。

[評分: 7.5/10]

刊於 Mugazine 摩格聲 香港網上音樂雜誌 Vol.19
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樂評短打: Explosions in the Sky - Take Care, Take Care, Take Care (2011)

喜歡Explosions in the Sky (下簡稱EITS) 的原因, 主要出自他們一份堅持, 堅持只用傳統的搖滾樂器造他們的Post-rock音樂， 當很多Post-rock樂隊都不斷加入不同元素和樂器去豐富他們的音樂層次時, Explosions in the Sky這隊美國德克薩斯州的樂團卻示範出何謂正規Post-rock應有的架勢, 靜嘈靜嘈的曲式理所當然是指定動作, 亦剛亦柔的鼓聲, 加上純以兩把電結他演奏作為主軸, 就能譜出不少蕩氣迴腸的美妙音樂, 就算連催淚必備的弦樂或鋼琴都很少出現在他們歌曲裡. 你可以說他們墨守成規, 但事實證明, 作為很多人眼中的Post-rock Big 4之一, 他們的地位依然穩固, 諷刺的是EITS成員一直對被界定為Post-rock之詞嗤之以鼻, 但我們知道: 他們比很多Post-rock band玩得更Post-rock.

他們的新作依然延續他們一貫音樂風格. 大碟沒有試圖探索新的創作方向, 整體聽來編曲很緊湊, 曲與曲之間有其連貫性, 音樂留白的地方不多, 澎湃的情感隨著電結他此起彼落, EITS再次展露了他們的拿手好戲. 雖然碟名令人感受到離別的唏噓, 但音樂表現卻很有一種強者回歸的自信心.

開首一曲"Last Known Surrounding", 並沒有投放大量感情, 而編曲的變化亦不是太令人驚喜. 但先不用失望, 因為好戲在後頭. 第二曲"Human Qualities"相對較靜態, 結他勾勒出幽幽的旋律感, 感覺是如此細水流長, 中段一陣留白過後, 帶出的卻是另一種情感, 漸漸變得激昂, 原來的流水漸漸變成洶湧洪水般撲面而來, 此曲的編曲變化, 實在令人回味. 中段有首只有3分多鐘的"Trembling Hands", 無論長度或者位置, 此曲應該算是間場曲, 但作為Post-rock間場, 此曲卻出乎筆者意料的急激, 但正好也承接了上一曲尾段的澎湃感, 靜駁靜, 動駁動, 歌與歌的連貫性做得尚算圓滑, 達到了不錯的整體感覺. 不慍不火的一曲"Be Comfortable, Creature", 正如歌名的意旨一樣, 欲緩和之前的高漲情緒, 音牆雖密而不激昂. 緊接著, 毫無疑問, "Postcard from 1952"是全碟最精彩的一首, 像是久被壓抑的情感, 如崩堤一樣傾瀉出來, 兩把結他譜出了極為扣人心弦的旋律, 此曲把EITS最動人一刻表露無遺. 最後長達10分鐘的"Let Me Back In" , 結他算是玩得很Laid-back, 細膩之中帶有一點漸近光明的意境, 餘音不絕.

如果這張作品是其他同類樂隊玩的, 相信會令人喜出望外, 但以EITS的標準來說, 卻又不算突出, 畢竟我們對EITS這類大band的要求一直很高, 無論如何, 就算他們不再驚喜, 亦不能否認"Take care, Take care, Take care"是一張很用心的作品.

[評分: 7.5/10]

延伸聆聽→ Myspace

走出民謠: Bon Iver

Folk音樂就像一個大溶爐， 任你添加不同的音樂元素進去， 都可以自成一格， 不用說有流行味強的Folk-pop， 加點實驗性質成了Free-folk， 加點電子成了近年流行的Folkatronic， 一個人也可以斯人獨憔悴地表達情感， 給他full-band陣容歌曲也可以變得熱鬧豐富， 不同人也會有不同演釋，而且很多時都反映了創作者的心路歷程。



Bon Iver是由創作主腦Justin Vernon所帶領的folk-rock樂隊，2007年， Justin Vernon不但經歷了感情的挫折， 而且肝病不幸在那時折磨著他的身體， 心情走進低谷的他不惜遠離繁喧， 隱居深山， 把大部份精神寄托在音樂創作上， 他首張作品“For Emma， Forever Ago”(上圖)就在這種殘酷的背景下誕生， 這張作品令人感到他把一切感情和專注都寄託在裡面每首歌裡， 歌曲散發出的淡淡哀愁是如斯令人動容， 音樂上他亦開始探索當ambient音樂遇上folk-rock的種種可能性。可能連Justin Vernon本人之前都沒料到這張作品為他們帶來幾乎一面倒的好評， 而Bon Iver這個名字在folk-rock圈裡亦迅即受到廣泛注目， 其後更被著名廠牌4AD收歸旗下， 並把這張成名作帶到英國巿場。



載譽而來， 今年他們推出了第二張full-length作品(下圖)， 這次押上樂隊名字作為碟名， 足證Bon Iver對這張作品有一定信心， 大碟原名叫 “Letters For Marvin”， 後來才改成”Bon Iver”， 改碟名可能暗示了樂隊想擺脫前作那種斯人獨憔悴的個人化風格， 希望有個全新的創作方向， 事實上這張作品比上那張的確有過之而無不及， 他們再一次定義了極具個人特色的folk-rock風格。 人紅自然吸引不少樂手想跟他合作， Bon Iver已擴展為四人樂隊， 而在錄製同名大碟時亦請來了不少名樂手助陣， 包括活躍於indie圈， 亦曾為Arcade Fire效力過的色士風手Colin Stetson， 和弦樂編排家Rob Moose。



陣容頗大了的Bon Iver， 歌曲層次亦更見豐富， 但絲毫沒有減退其ambient的取向， Justin Vernon在談到他的新作時， 亦不違言這張作品不是由傳統folk-rock作創作起點， 他在接受Pitchfork訪問時說道:

“I don't find inspiration by just sitting down with a guitar anymore.”
"I wanted to build a sound from scratch and then use that sound to make the song."

這亦表明這張同名作品將會以非結他為主導的創作理念， 加上Justin Vernon本身也是一名出色的監製， 所以可以預料到他在聲響運用上會有其獨特風格。

新作開首一曲”Perth”已經先聲奪人， 在軍鼓的帶動下， 表現了Bon Iver少見的激昂。 之後精緻的”Minnesta WI”， 歌曲走向忽動忽靜， 有令人耳不暇給的編曲。 驚喜過後， Folk-rock樂章“Holocene”以木結他奏出出淡淡的愁緒， 重拾了他們在首張大碟裡最動人時刻， 而此曲可說是全碟的亮點之一。MV也拍得很唯美，值得一看。



簡單清爽的一曲”Tower”， 充滿著美式folk-rock情懷， 在弦樂的配襯下， 歌曲顯得格外優美。 中段兩曲”Hinnom， TX”， “Wash”， 是整張大碟氣氛最低迴的一刻， 當中“Hinnom， TX”只用簡單的電子聲底， 再搭配兩把聲線， 一揚一抑， 很深邃， 亦充份突出了Justin Vernon脆弱而迷人的聲線。 靜態的一面的Bon Iver不其然令我想起Post-rock班霸Sigur Ros， 我想當Sigur Ros轉玩folk-rock的時候， 大概也會如此美不勝收吧。 陣容擴展了的Bon Iver整體反而造得比前作更靜， 而且很懂得在製造Ambient氣氛時取捨樂器， 應奏則奏， 歌曲的靜態和動態地方都掌握得恰到好處， 足證主腦Justin Vernon的監製功力。

“Calgary”滿載動人旋律, 算是全碟最為明快的一首歌, 而編曲由電子到搖滾樂， 推進得相當圓滑流暢， 漸感開揚， 聽得令人心曠神怡。



全碟唯一有點格格不入的是最後一曲”Beth/Rest”， 他的聲線處理加上有點俗氣的電子琴， 聽起來像是一首老舊的八九十年代的流行曲， 與全碟的主題氣氛有點不太相襯， 算是一個小小缺憾。
整體而言， Bon Iver的同名大碟雖然比上一張” For Emma， Forever Ago"少了有機性，電氣化了不少， 但歌曲編排很流暢， 音樂的細緻位亦處理得很有心思， 令作品耐聽度提高了不少. 最重要的是感情依然很真摯動人。

在寂寥的夜晚， 聽著Bon Iver新作， 我再次被感動了， 像與他一起忘記有過的傷痛， 走一趟觸動心靈的音樂旅程。

[評分: 9/10]

刊於 Mugazine 摩格聲 香港網上音樂雜誌 Vol.18
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